Se souvenir de Miles Davis le jour de son anniversaire

Le 26 mai 1926, l’un des musiciens les plus emblématiques de tous les temps est venu au monde : Miles Davis. Né de parents noirs de la classe moyenne, Davis passera de l’enfance à l’âge adulte à travers les périodes les plus difficiles de la nation, et sa musique aidera un pays épuisé de l’après-guerre à retrouver l’espoir. Les innovations de Miles Davis ont provoqué des changements sismiques dans le monde de la musique, puisque des tendances comme le Bebop, le Cool, le Hard Bop, le Blue et la Fusion sont nées de son besoin de chercher quelque chose au-delà de ce qu’il entendait autour de lui. Davis dépassait régulièrement ses propres limites, cherchant sans crainte la prochaine vague. Malheureusement, un examen plus approfondi de sa vie révèle qu’il était probablement à la recherche de tout ce qu’il pouvait contrôler au milieu d’une vie fuyante.

Davis n’était pas du genre à courber ses notes, gardant le vibrato au minimum pendant la majeure partie de sa carrière. Son jeu était si captivant parce qu’il était si honnête. Vous voyiez directement en lui. La crudité, l’énergie magistralement contenue dans des envolées courtes et staccato ont retenu l’attention de la communauté du jazz pendant des décennies.

Miles Davis a commencé à jouer sur scène pendant la Seconde Guerre mondiale, alors qu’il était encore au lycée. Bien qu’il inspirera lui-même de nombreux fans dévoués, il idolâtre Charlie Parker, et à l’automne 1944, il réussit enfin à organiser une jam session avec lui et les quelques pères fondateurs du mouvement Bebop. L’attitude uptempo, les chansons de ciel ensoleillé ont provoqué un émoi national, et de nombreuses étoiles ont été frappées. N’étant pas du genre à se reposer sur sa contribution à la création d’une vague entière de style musical, il a rapidement contribué à la naissance du cool jazz. Le son cool jazz était une expérience pour faire de la musique une voix propre, avec un accent sur les rythmes organiques et fluides, même dans les solos.

Davis est parti à l’étranger au début des années 50. Alors qu’il avait été confronté au racisme institutionnel en Amérique, il s’est retrouvé un génie bien considéré et a été traité en conséquence en France. Il eut une histoire d’amour avec le pays lui-même, qui se termina tragiquement lorsqu’il retourna à New York et tomba dans une addiction à l’héroïne. La légende veut qu’il se soit enfermé pendant de longues périodes, subissant un sevrage douloureux et prolongé. Il est à la fois étonnant et tragique qu’il ait continué à se produire malgré tout. Ayant perdu sa voix à la suite d’une opération, il a acquis un timbre rauque qui, associé à son jeu obsédant, lui donnait un air d’outre-tombe. Au cours de ses voyages musicaux à travers le monde, il est tombé amoureux des formes modales de la structure des chansons, basant de longs passages musicaux autour de longues notes et tonalités soutenues, et a étendu ses solos free flow en pièces entièrement improvisées, emmenant tout le groupe pour la balade.

Miles Davis était un joueur rare à tous points de vue. Un musicien de musicien qui a également retenu l’attention du public. Bien que l’acclamation critique qu’il estimait mériter ait été louée sur ses contemporains, les joueurs qui sont montés sur scène avec lui constituent un défilé de noms gravés dans les murs de l’Histoire du jazz. Charlie Parker, John Coltrane, Gil Evans, Herbie Hancock, Wayne Shorter, Thelonius Monk, Sonny Rollins, Art Taylor, Julian « Cannonball » Adderley, Bill Evans, Bennie Maupin, John McLaughlin, pour n’en citer que quelques-uns. Il était aussi doué pour recruter les grands noms existants que pour découvrir des diamants bruts. Son jeu ne se contentait pas d’élever ceux qui les entouraient, il les inspirait à jouer au-delà d’eux-mêmes.

En 1959, Miles Davis a sorti l’album de jazz le plus vendu de tous les temps, Kind Of Blue, avec le pianiste Bill Evans, le batteur Jimmy Cobb, le bassiste Paul Chambers et les saxophonistes John Coltrane et Julian « Cannonball » Adderley complétant son groupe. Utilisant ses techniques modales adaptées, les compositions étaient grossièrement esquissées et chaque musicien disposait d’une gamme de tons et d’échelles dans laquelle il était libre de jouer en solo. Le choix de ses musiciens s’est avéré très judicieux, car chacun d’entre eux s’est montré à la hauteur de la confiance placée en eux. Les cinq chansons qui composent les deux faces de l’album, « So What », « Freddie Freeloader », « Blue In Green », « All Blues » et « Flamenco Sketches », sont en quelque sorte l’aboutissement de tout ce que Davis avait entrepris jusqu’alors, et la fraîcheur du son, l’habileté des instrumentistes et la simple honnêteté de la voix font que l’album transcende les considérations de race, de goût et de statut social. C’était de l’art, et c’était pour tout le monde. En 2009, le Congrès a fait la déclaration probablement la plus inutile, bien que totalement méritée, en proclamant l’album trésor national.

« So What »

Alors que les années 60 menaient à une explosion de psychédélisme et de funk en réponse à une agitation nationale sur les tensions raciales persistantes et la longue guerre au Vietnam, Davis trouva son attention errante une fois de plus. Il a formé un groupe mixte d’acoustique et d’instruments et a dirigé un groupe orienté vers le funk qui a produit un funk difficile et dense avec des compositions débordant de tangentes de jam et de forme libre de soul. Il joue dans des festivals de rock et trouve un public tout trouvé, avide de quelque chose pour repousser les limites qui avaient défini des groupes comme Parliament-Funkadelic et Sly & The Family Stone. Son travail de cette période est devenu connu sous le nom de « Space Music », une étiquette qu’il n’a pas combattue. Comme toujours, il utilisait sa musique pour exprimer son émotion, et là encore, comme toujours, laissait un sentiment de fureur et d’abandon résonner dans l’esprit de ses auditeurs longtemps après que les dernières notes aient été jouées.

Au fil des années 70, il affine sa fusion du rock et du jazz, en publiant des albums comme Dark Magus, Agharta et Pangaea, qui se détachent des limites du studio. Avec des compositions à la fois rock et jazz, le trio sert presque de pierre de Rosette musicale, de code secret d’un tout nouveau langage que Davis conçoit à la volée. Les publics exigeants sont divisés : certains sont immédiatement emportés par le maelström sonore, tandis que d’autres trouvent que les variations agressives de ton et les changements de rythme effrénés, parfois à la limite de l’atonal, sont plus que supportables. Bien que sa musique brisait les liens, son esprit était lentement verrouillé, alors qu’il faisait face à une détérioration de son état mental et à une dévolution vers un quasi-ermitage lorsqu’il n’était pas sur scène.

Son travail dans les années 80 a pris une tournure plus superficielle, car ses propres années de vie ravagée avaient fait des ravages. Son matériel plus récent n’a pas satisfait le nouveau public, bien que, véritable iconoclaste jusqu’à la fin, il ait refusé des offres répétées, apparemment énormes, pour rééditer son ancien catalogue. Il est resté fidèle à sa conviction qu’en tant qu’artiste, il devait toujours explorer, même si ses pas le menaient sur un chemin sur lequel personne n’était prêt à le suivre.

La pertinence de Miles Davis a supplanté le genre. Il a écrit un livre de chansons qui tient tête à tous ceux qui ont vécu, et a joué de son instrument avec une éloquence rare au-delà de toute valeur. Il a été intronisé à titre posthume au Rock And Roll Hall Of Fame, et pour son influence sur le langage même de la musique improvisée, c’était un honneur bien mérité. La liste des musiciens qui vous diraient volontiers à quel point le son de Miles les a influencés est probablement plus longue que la quantité de mots de chaque colonne et blurb postés sur ce site aujourd’hui.

Les tristes histoires de dépendance et les difficultés mentales qu’il a traversées pour les combattre sont nombreuses et bien mieux racontées que je ne pourrais le faire ici. Il était un phénomène mondial. Il était un ambassadeur du son, racontant des histoires de colère et d’angoisse, d’espoir et de joie avec une voix si unique qu’on ne pouvait s’y tromper. S’il serait exagéré de dire que tout fan de musique d’improvisation explorée plus avant par des groupes comme le Grateful Dead, les Allman Brothers et Phish devrait se plonger dans les œuvres de Miles Davis, il est sûrement vrai que la musique qu’ils aiment a été influencée par le travail de l’homme.

Pour célébrer la vie de ce grand homme, asseyez-vous et laissez la musique de la vidéo suivante, « Around The Midnight », vous envahir. Vous en serez heureux.

« Around The Midnight »

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